10 Must-See-Installationen auf der Londoner Design-Biennale 2018

Anonim

10 Must-See-Installationen auf der Londoner Design-Biennale 2018

Der stille Raum. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Die im nächsten Monat eröffnete London Design Biennale kehrt mit einer beeindruckenden Besetzung von Charakteren zurück. In ihrer zweiten Iteration beginnt die Biennale am 4. September unter dem Thema "emotionale Zustände" und dauert bis zum 23. September. Nach dem Eröffnungsjahr 2016 wurde die Veranstaltung auf 40 Länder, Städte und Territorien erweitert. Bei der Veranstaltung, die das Somerset House, einschließlich des Edmond J. Safra Fountain Court und River Terrace, übernimmt, werden Ideen untersucht, die von sozialer Gleichheit über Verschmutzung bis hin zu Migration und Städten reichen.

Die London Design Biennale befindet sich im Somerset House im Herzen der Londoner Kulturszene. Die historische Struktur beherbergt eine Reihe von Programmen als kreatives Forum für Designer, Künstler und Macher. In diesem Jahr zielt Emotional States darauf ab, eine breite Interpretation über alle Design-Disziplinen hinweg zu schaffen, um ansprechende Installationen zu schaffen. Durch die Zustände Wut, Verachtung, Ekel, Angst, Glück, Traurigkeit und Überraschung wurden die Installationen gebeten, die Designgeschichte eines bestimmten Landes oder einer Stadt zu erkunden.

Hier, in keiner bestimmten Reihenfolge, sind einige der wichtigsten Installationen für die bevorstehende Biennale zu sehen.

Bundesstaat Indigo / Indien

Bundesstaat Indigo Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Die Geschichte von Indigo ist eng mit der indischen Designidentität verbunden. Als natürliche Form des Farbstoffs erinnert es an traditionelle Methoden der Kultivierung und Verarbeitung von Textilien, die auf dem Subkontinent Pionierarbeit leisteten. In Bezug auf ihren Status als Farbe, die untrennbar mit Luxus und Verlangen sowie mit Ausbeutung auf der anderen Seite verbunden ist, handelt es sich um ein hoch ideologisch aufgeladenes Designwerkzeug, das als Repräsentant der indischen Designidentität geltend gemacht werden muss. Indien wird die Zuschauer in eine der Mulden der Indigoproduktion eintauchen, eine Farbe, die zur Herstellung von Jeans und anderen Textilien verwendet wird und deren Methoden seit Jahrtausenden weitgehend unverändert geblieben sind. Der Bundesstaat Indigo wird Filme von Arbeitern zeigen, die in einer Reihe stehen und das Wasser mit ausgestreckten Beinen prügeln. Die Installation wird die Stunden der harten Arbeit ausnutzen, um nur einen kleinen konzentrierten Farbstoffstab herzustellen, der als "blaues Gold" bekannt ist. State of Indigo wird von Priya Khanchandani kuratiert.

Gesichtswerte / USA, Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum

Gesichtswerte. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Das Smithsonian Design Museum (New York), eine von Ellen Lupton, Face Values ​​von Cooper Hewitt, kurvierte Installation, ist eine eindringliche Installation, die die Rolle der Gesichtserkennungstechnologie in der heutigen Gesellschaft erforscht. Mit Arbeiten der Designer Zachary Lieberman und R. Luke DuBois in einer von Matter Architecture Practice entworfenen digitalen Umgebung wird die Installation untersuchen, wie das menschliche Gesicht zu einer lebendigen Datenquelle wird, mit der Regierungen und Unternehmen Emotionen verfolgen, messen und monetarisieren. Die Installationen von Lieberman und DuBois werden den Betrachter direkt in eine öffentliche Emotionsdarstellung einbeziehen, um zu zeigen, wie Machine-Learning-Technologien das Verhalten von Menschen bewerten und ihre Identität bewerten.

HausEmotion / Türkei

housEmotion. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Die housEmotion-Installation berücksichtigt die emotionale Bedeutung von Zuhause in einer Zeit des zunehmend vergänglichen Lebens. Die Bedeutung von Zuhause für eine Person kann einfach ein Smartphone mit vollem Speicher sein. Oder es kann etwas grundlegender für unser Selbstgefühl sein. Der Pavillon wird von Tabanlıoğlu Architects kuratiert und beginnt mit der elementarsten Idee eines Hauses: einer kubischen Form. Die Wände, vielleicht sogar das Haus selbst, sind illusorisch. Sobald die Besucher das Gebäude betreten, wird es die heimelige Rolle eines Tierheims übernehmen. Ein Diwan befindet sich im Herzen des Raums, den Tabanlıoğlu als "wie der Schoß einer Mutter" bezeichnet. Es ist ein Ort, an dem Besucher Zeit verbringen, sich entspannen und neue Leute kennenlernen möchten. In der Nacht verwandeln die in die Stangen eingebetteten Lichter die Struktur in eine glühende Laterne oder vielleicht einen warmen Herd.

Der Stille Raum / Libanon

Der stille Raum. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

The Silent Room, kuratiert von Nathalie Harb in Zusammenarbeit mit BÜF und 21dB, ist ein öffentlicher Raum, in dem die Bürger von Außenlärm und anderen sensorischen Angriffen isoliert werden. Stille ist zunehmend ein Luxus für die Privilegiertesten - das Mapping von Daten hat gezeigt, dass die ärmsten Teile der Stadt am stärksten von Lärmbelästigung betroffen sind. Der Silent Room reagiert auf diesen Kontext: Er bietet allen Bürgern, unabhängig von Hintergrund oder Privilegien, einen kokonartigen Raum, der vom Lärm der Stadt isoliert ist. Es macht Stille und Ruhe für alle verfügbar. Der Silent Room befürwortet die Stille als eine Form des Widerstands, ein Akt der Reinigung, der erforderlich ist, um den Besitz unserer Gedanken und uns selbst zu fordern.

Kraftwerk / Niederlande, Het Nieuwe Instituut

Kraftwerk. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Power Plant ist ein futuristisches Gewächshaus, das Sonnenlicht verwendet, um sowohl Nahrung als auch Strom zu erzeugen. Das Essen treibt viele unserer ursprünglichsten Emotionen an, und es ist zunehmend die Ursache für unsere tiefsten Ängste. Die Weltbevölkerung wächst schnell; Bis 2050 werden 2, 5 Milliarden Menschen in Städten leben. Gleichzeitig verstärkt der Klimawandel die Wetterextreme - Wüsten weiten sich aus und fruchtbares Land wird knapper. Die Frage ist, wie können wir weiterhin so viele Menschen ernähren - und wie können wir das auf eine Weise tun, die dem Planeten keinen weiteren Schaden zufügt? Power Plant, die niederländische Installation, wird zeigen, wie das Design Hoffnung schafft. Die Besucher werden ein Gewächshaus der Zukunft betreten - ein Gebäude, in dem sowohl Nahrung als auch Strom für den Anbau geerntet werden. Power Plant wird von Marjan van Aubel kuratiert.

Aangan / Pakistan

Aangan Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

"Aangan", was "Hof" bedeutet, ist grundlegend für die volkstümliche Architektur des alten Lahore und ein bedeutender Schwerpunkt des Stadthauses oder der Haveli. Pakistans Installation, die von Abid Majid kuratiert und von Mariam Majid entworfen wurde, untersucht das Konzept der Gewöhnung in Bezug auf das Handwerk. die introspektive Natur der Aufgabe und der Innenwelten des Handwerkers durch Filmprojektionen und computergestützte Kunst. Der Aangan wird zum Symbol menschlicher Verbindung und die Kaskade von Kleidungsstücken stellt eine kollektive Identität dar, die unsere existentielle Dualität als Individuum und Gemeinschaft feiert. Als Reaktion auf die Bewegung des Betrachters wird die Geschichte des Kunsthandwerkers eine interaktive Darstellung schaffen, die den Betrachter zu einer introspektiven Interpretation einlädt, Emotionen hervorruft, den entsättigten und dekontextualisierten Kleidungsstücken einen Wert zuschreibt.

ΑΝΥΠΑΚΟΗ (Ungehorsam) / Griechenland, Studio INI

ΑΝΥΠΑΚΟΗ. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Das Konzept von ΑΝΥΠΑΚΟΗ wurde in der Geschichte verwendet, um das griechische Temperament zu beschreiben, mit Erkundungen des Ungehorsams aus dem antiken Griechenland und seiner international einflussreichen Mythologie. Das von Nassia Inglessis kuratierte Design erforscht diese Dualität in der Natur des Ungehorsams durch eine kinetische Installation, die unsere Interaktionen mit der physischen Umgebung verändert. Es ermutigt die Besucher, sich eine Welt vorzustellen, in der sich Gebäude, Grenzen und Gehwege als Reaktion auf menschliche Absichten verändern und anpassen, um die potenzielle Zukunft von Städten zu beleuchten. ΑΝΥΠΑΚΟΗ besteht aus einer 17 Meter langen Wand, die aus einem Stahl-Federskelett besteht, das aus recyceltem Kunststoff aufgebaut ist, der sich um den menschlichen Körper biegt, verwandelt und atmet. Besucher können diese mechanische Grenze überschreiten und erleben, wie sich die Wand der Wand als Reaktion verändert.

Materie zur Sache / Lettland, Variant Studio

Materie zur Sache. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Von Arthur Analts kuratiert, untersucht Matter to Matter die Beziehung zwischen Mensch und Natur. Die Letten leben in Harmonie mit der Natur. Angesichts der rasanten Entwicklung moderner Technologien und Städte ist es wichtig, die Wechselwirkungen und Auswirkungen auf die Umwelt und Natur zu kennen, die in der lettischen Kultur so wichtig sind. Lettlands interaktive Installation besteht aus einem meditativen Raum und dient dazu, lettisches Design, Architektur und Technologie im 21. Jahrhundert zu kommentieren. Design mit langfristiger Ausrichtung wird sozial verantwortliches und umweltfreundliches Design schaffen, das mit der Natur und ihren Bewohnern koexistieren kann.

Palopò / Guatemala

Palopò. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Guatemala hat eine Textilinstallation entwickelt, Palopò, kuratiert von Cecilia Santamarina de Orive, die mit handgefertigten Materialien gearbeitet hat, um die atemberaubende Landschaft des Atitlán-Sees darzustellen und den Besuchern Santa Catarina Palopó, einer Gemeinschaft, in der Kunst und Design als Kunst verwendet werden, näher bringen Instrument zur Förderung einer nachhaltigen wirtschaftlichen und kulturellen Entwicklung. Dies ist eine interaktive Installation, in der die Besucher dazu angehalten werden, sich mit dem Projekt und dessen Prozess vertraut zu machen, indem es die audiovisuellen Medien und Miniaturinterpretationen der im Dorf gefundenen Räume untersucht.

Full Spectrum / Australien

Das ganze Spektrum. Mit freundlicher Genehmigung der London Design Biennale

Full Spectrum wird von Flynn Talbot kuratiert und vermittelt das Gefühl von Liebe und Offenheit. Um die kürzlich verabschiedete Gesetzgebung Australiens zu feiern, die die gleichgeschlechtliche Ehe gesetzlich erlaubt, hofft die Installation, diese Liebe zu verstärken, hat die Macht, alle Grenzen, alle Kulturen und alle Religionen zu überschreiten. Mit 150 faseroptischen Strängen, die jeweils eine andere Farbe haben, können die Besucher die Lichtstränge berühren und sich darin bewegen, im Inneren stehen und mit einem Regenbogenfarbenwaschmittel umgeben sein.

Beliebte Beiträge

Weiterlesen